¿Qué tienen en común la pintura, la fotografía y el cine? Estos tres campos son capaces de crear estéticas únicas, contar historias fascinantes e infundir emociones fuertes. De hecho, ya sea a través de los recuerdos, por hacer un homenaje, por admiración o por propaganda, la necesidad de dejar huella a través de las imágenes parece ser una constante a lo largo de la historia.
El siglo XIX fue testigo de una serie de innovaciones técnicas que cambiaron profundamente la práctica artística y la forma de ver el mundo. Mientras la fotografía permitía captar escenas de forma instantánea, la pintura dejaba de lado su búsqueda del realismo y comenzaba a desarrollar nuevas teorías sobre lo que las fotografías aún no tenían: el color. Al mismo tiempo, se intensificaron las investigaciones sobre los procesos visuales que tendían a transcribir el movimiento. En 1882, Etienne Jules Marey inventó la cronofotografía. Unos años más tarde, en 1890, Thomas Edison desarrolló el kinetógrafo. Sin embargo, el nombre que pasaría a la historia fue el de los hermanos Lumière. En una época en la que el impresionismo cobraba fuerza, Auguste y Louis presentaron al mundo el cinematógrafo en 1891. Fue el nacimiento del séptimo arte.
Considerado como un nuevo medio estético, el cine pronto compartió las mismas tendencias y movimientos artísticos. Así, algunos directores rindieron homenaje, a veces sutilmente y otras de forma más directa, a las grandes obras maestras artísticas.
El expresionismo alemán se caracteriza por rasgos figurativos con distorsiones exageradas y colores llamativos para llevar al clímax las emociones representadas, como el miedo o la ansiedad. En El grito de Edvard Munch, la figura ambigua y sin género está casi desfigurada por el terror y la angustia. Esto queda subrayado por los tonos rojos y amarillos del cielo, sinónimo de caos. Unos años más tarde, Friedrich Wilhelm Murnau dirigió lo que se convertiría en uno de los pilares del cine de terror, Nosferatu. La película, protagonizada por un vampiro, retoma la estética de lo monstruoso, ya sea a través del inquietante físico del personaje o de sus valores morales. El encuadre, similar a las composiciones pictóricas, juega con la imaginación del espectador e insinúa la amenaza que representa el Conde Orlock. Es así como la estética de inspiración expresionista ha perdurado en el tiempo. En 1996, Wes Craven dirigió la película Scream, en la que el asesino encarna esta energía confusa. A través de su emblemática máscara, el personaje, cuya identidad queda reducida a la nada, provoca absoluto terror.
Algunos cineastas se inspiran directamente en las obras de pintores. Es el caso de Jean Renoir, hijo del célebre pintor impresionista Pierre Auguste Renoir que fue un verdadero admirador de la obra de su padre y no cesa de rendirle homenaje. En Une partie de campagne, estrenada en 1946, el director dio vida a la obra La balançoire, pintada en 1876. Esta misma película fue grabada a orillas del Loing, río que inspiró algunas de las obras más bellas del artista.
En 2010, Martin Scorsese produjo el thriller Shutter Island, en el que un detective con un pasado problemático investiga la desaparición de los pacientes de un hospital psiquiátrico. El protagonista, interpretado por Leonardo DiCaprio, despierta cierta paranoia debido a su estado psicológico. Una vez que llega al lugar de los hechos, empieza a ver a su mujer muerta. En una de las escenas, Scorsese decide hacer referencia a El beso, de Gustav Klimt, que implica estéticamente el deseo y la inestabilidad del matrimonio que han construido los dos personajes. La obra, representativa de la Secesión vienesa, pertenece a la época dorada de Klimt, cuando pintó un autorretrato con Emilie Flöge, su musa y compañera.
El estadounidense Edward Hopper también es una intensa fuente de inspiración para los cineastas. Nighthawks ilustra la fachada de un café en plena noche. Las cuatro figuras que rodean la barra están colocadas una al lado de la otra. Sin embargo, la falta de expresión y la rigidez de las líneas acentúan la distancia emocional entre ellas, representando una sensación de aislamiento carente de esperanza. Herbert Ross repitió esta composición en 1981 en Pennies from Heaven. La historia, ambientada durante la Gran Depresión en Estados Unidos, detalla la vida de un vendedor de partituras que lucha por conectar con quienes le rodean.
Esta desesperación también es perceptible en A Clockwork Orange. Estrenada en 1972, la película revela un oscuro retrato de la naturaleza humana en un intento de determinar los orígenes del mal. Alex DeLarge, el protagonista, es encarcelado por cometer crímenes sádicos. Se somete a un tratamiento experimental destinado a curar los impulsos brutales. En el patio de la prisión, los reclusos marchan sin cesar en círculos, creando una atmósfera claustrofóbica y deshumanizadora que nunca termina. Vincent Van Gogh, por su parte, pintó La ronda de los presos en el momento en que fue hospitalizado voluntariamente en el sanatorio de Saint Rémy de Provence en 1890. A través de su pintura, el artista ilustra una acción que parece perpetua y sin rumbo.
Diane Arbus es famosa por sus fotografías de personas marginadas e insólitas. En 1967, inmortalizó a Cathleen y Colleen Wade, dos hermanas gemelas de siete años. La fotografía, que se ha hecho famosa, recuerda a las gemelas que rondan los pasillos del hotel Overlook. Este hotel, imaginado por Stanley Kubrick en The Shining (1980), es el escenario de sucesos inexplicables que volverán loco a su cuidador.
Si bien la pintura y la fotografía han sido anclas del cine, con nuevos movimientos como el arte pop, la marea está cambiando. Conocida por su estilo colorista y chillón, esta tendencia se inspiró principalmente en la publicidad y en el tema de la producción en masa. Sus artistas, cada uno a su manera, representan un mundo moderno y cambiante a través de imágenes conocidas por todos. Marilyn Monroe y Audrey Hepburn son claros ejemplos. Estas figuras icónicas de Hollywood fascinaron a los más grandes artistas del siglo XX, incluido Andy Warhol, que pintó sus retratos en una gama de colores. Hoy en día, Natan Elkanovich y Antonio de Felipe siguen utilizando estos iconos en sus representaciones. Uri Dushy, Masaya y Alec Monopoly, los tres presentes en la exposición KHRÔMA. El universo emocional del color, utilizan personajes de Disney, convirtiendo personajes mundialmente conocidos en obras de arte únicas.
¿SABÍA QUE…?
– El director, Friedrich Wilhelm Murnau, se inspiró libremente en la novela Drácula, publicada por Bram Stocker en 1897, aunque no había pagado los derechos de reproducción. Cuando se estrenó la película en 1922, la viuda del escritor interpuso una demanda contra la producción, que ganó. La sentencia obligaba a la productora a destruir todas las copias de Nosferatu. Sin embargo, esta sanción nunca se aplicó.
– El Grito, que Edvard Munch pintó en 1895, se vendió en una subasta en 2012 por 120 millones de dólares. Este acontecimiento le otorgó el título de la obra más cara del mundo. Este título le fue arrebatado al año siguiente, cuando se vendieron los Tres estudios de Lucian Freud, de Francis Bacon.
– Dos de las cuatro versiones de El grito fueron robadas. La primera en 1994 de la Galería Nacional de Oslo y la segunda en 2004 del Museo Munch de la misma ciudad. Ya han sido recuperadas.
