Dans la salle, on trouve des textes qui connectent les artistes en 11 groupes différents, entre influenceurs et influencés, et qui aident le visiteur à comprendre les connexions entre les œuvres qui sont bien souvent de différentes périodes.
L’exemple de Rousseau, Daubigny et Meifrèn est pragmatique, sachant que la description illustre l’évolution de la peinture en atelier pour aller jusqu’au plein air.
La peinture impressionniste libère la couleur et la forme, chose qui suppose un moment de grandes transformations. Elle représente la naissance de l’art subjectif, art dans lequel ce n’était pas le motif mais bien sa traduction sur le cadre qui lui donnait toute sa valeur.
De ce fait, les artistes tels que Charles Daubigny ont été les premiers à opter pour la peinture en plein air, lieu où la magie de l’instant était plus appréciable. Affronter directement le motif de l’œuvre permettait de capter l’éternité de l’instant tout en faisait en sorte que la toile perdure dans le temps. C’est bien cette influence que toute une génération de peintres va développer. C’est notamment le cas de Théodore Rousseau et Eliseu Meifrèn, qui utilisent la même technique et adhèrent aux mêmes concepts relatifs à la perception.
Daubigny et Meifrèn capturent la lumière du soleil dans une rivière, alors que Rousseau préfère la capturer sur les plaines de Montmartre, l’illustrant par coups de pinceau horizontaux et dorés qui illuminent toute l’œuvre. Eliseu Meifrèn conduit la thématique du paysage naturel, qui dominait au début du mouvement impressionniste, vers les zones urbaines.
Enfin, bien que chaque peintre ait trouvé dans la peinture à l’aire libre une source d’inspiration inépuisable, chacun d’entre eux a reproduit cette méthode avec son style propre et unique.
